Estimé 2 000 € - 3 000 €
Par DUPONT & Associés à Paris le 04/06/2025 : Anne-Cécile SURGA (1987 - )
Carry On - San Sebastian
2017
Sculpture en marbre de Carrare et flèches
Signé "Anne Ce"
Manque une flèche
Haut. : 41,5 cm, Larg. : 17 cm, Prof. : 72 cm
Née en 1987 à Lavelanet, France, Anne-Cécile Surga est une sculptrice contemporaine reconnue pour ses œuvres en marbre qui explorent la valeur intrinsèque de la nature humaine et l'identité individuelle en relation avec les enjeux sociétaux.
Dès son plus jeune âge, Anne-Cécile Surga manifeste un vif intérêt pour l’art et l’artisanat manuel. En 2000, elle entame une formation en dessin et peinture, où elle se spécialise dans la composition classique, l’anatomie et l’harmonie des couleurs.
En 2010, elle poursuit des études en commerce et obtient un Master en Administration des Affaires à la Florida Gulf Coast University. Sa passion pour l’histoire de l’art la conduit ensuite à New York, où elle intègre un programme de master à Christie’s Education en 2013. Durant son séjour à New York, elle perfectionne également son savoir-faire en étudiant la sculpture sur métal et le dessin anatomique à l’Art Students League.
Un tournant majeur dans sa carrière se produit en 2013, lorsqu'elle effectue une résidence artistique à la Fundación Pablo Atchugarry, en Uruguay. Là-bas, elle approfondit ses techniques de sculpture sur marbre sous la direction du célèbre sculpteur Pablo Atchugarry, une expérience qui marque profondément son parcours artistique. En 2015, elle installe son atelier dans les Pyrénées françaises, une région renommée pour ses riches gisements de marbre, lui permettant d’intégrer le marbre français et le marbre de Carrare dans ses sculptures.
Dans une interview accordée à EuropeNow Journal, Surga évoque son attachement au marbre en déclarant : "Je pense que le marbre est un matériau inhabituel dans l'art contemporain, car il sera toujours lié à la sculpture classique. Mais pour moi, c’est le matériau le plus satisfaisant à travailler. Le marbre de Carrare, en particulier, permet de créer une infinité de détails avec une clarté inégalée. Il possède aussi une beauté intrinsèque : à mon avis, tout est plus beau en marbre !"
Pour Carry On – San Sebastian, l’inspiration de cette sculpture vient de la figure homoérotique de Saint Sébastien, telle qu’elle est représentée dans les peintures de la Renaissance, notamment dans Le Martyre de Saint Sébastien.
Comme dans ses autres sculptures, Carry On – San Sebastian est conçue en marbre de Carrare et est transpercée de sept flèches dorées.
Consciente du pouvoir érotique et de l’intention de ces représentations, Anne-Cécile Surga les réinterprète à travers son propre prisme artistique, en créant une version féminine du saint. À travers une profonde réflexion artistique, elle cherche à délivrer un message universel qui transcende le genre. Plutôt que de représenter une figure humaine, elle choisit un bloc de marbre—une métaphore de la résilience de l’humanité. Malgré les sept flèches qui le
transpercent—un chiffre doté d’une forte symbolique dans de nombreuses cultures—ce bloc demeure fort et inébranlable.
Les sculptures d’Anne-Cécile Surga ont été exposées à l’international et font partie de collections publiques et privées, notamment au Museo MUST de Vimercate, en Italie, ainsi que dans la collection privée de Pablo Atchugarry. Son travail a été récompensé à plusieurs reprises, notamment par le Prix YICCA Art en 2017 et la Bourse Mary Beth Gutkowski en 2019.
Parmi ses expositions récentes, on retrouve "Never The Same, Twice" à la Piero Atchugarry Gallery à Cernobbio, Italie, du 22 juin au 15 septembre 2024, ainsi que sa participation au Pavillon de la République de Saint-Marin lors de la 59ᵉ Biennale de Venise en 2022. Voir le lot
Estimé 1 000 € - 1 500 €
Par DUPONT & Associés à Paris le 04/06/2025 : Nadine ALTMAYER (1956 - )
Sculpture tissée suspendue
Cable caoutchouc
Haut. : 250 cm
Nadine Altmayer, née en 1956, est une artiste textile et sculptrice française reconnue pour son approche novatrice de la sculpture textile. Elle a étudié à l’École des Beaux-Arts d’Angers, en France.
La pratique d’Altmayer explore le cycle continu de la composition, de la désintégration et de la recomposition. Floutant les frontières entre l’artisanat et les beaux-arts, elle aborde le textile non comme une forme figée, mais comme un processus vivant de transformation. Ses œuvres portent les marques de l’érosion, de la mémoire et du temps — cousues, superposées, usées, puis réassemblées. Les techniques de tissage traditionnelles se mêlent à des matériaux non conventionnels tels que le métal, les filets, les perles, l’argile et, dans des œuvres comme Sculpture Tissée Suspendue, des cordes en plastique. Ces associations créent une subtile tension entre douceur et rigidité, fragilité et force. À travers ce dialogue, Altmayer évoque un espace où l’organique et l’industriel coexistent — suspendus entre passé et présent, entre permanence et transformation.
« Avec les peintures rupestres, les fils comptent parmi les plus anciens vecteurs de sens », écrivait Anni Albers en 1965, dans son manifeste On Weaving. Mythe ou réalité, le fil devient un conducteur dans l’œuvre de Nadine Altmayer, lissière dont les tissus, teints à l’acrylique ou à l’encre de Chine, forment des strates de secrets. Décousus et rapiécés, ils sont recouverts d’argile — une terre liquide qui les raidit. L’état solide a ses attraits : la matière doit tenir, faire corps sous une peau en lambeaux, aussi fine que la frontière entre l’oubli et le souvenir. Usée, inachevée, l’œuvre demeure en perpétuel transit, imitant le fossile, la ruine ou l’ébauche — suspendue à mi-chemin, à la fois antique et contemporaine, au seuil de sa mue. Tout pend, s’effrite, se délave — et pourtant laisse une empreinte forte, comme un champ de fouilles ou une poupée vaudou. »
Les sculptures de Nadine Altmayer ont été exposées à l’échelle internationale et font partie de collections publiques et privées. Parmi ses expositions les plus remarquables figurent Amélie, Maison d’Art à New York, la Galerie Séguier (2023) et la Galerie Zeuxis (2018). En 2013, elle a reçu le MICE Article Category Award lors des Malta Tourism Press Awards, en reconnaissance de sa contribution à l’art et à la culture. Voir le lot
Estimé 2 000 € - 2 500 €
Par DUPONT & Associés à Paris le 04/06/2025 : Gérard MAS (1976 - )
La Dama del Chupa Chups
Résine polychrome
Signée sous la base G. MAS, numérotée 1/7 et datée 2018
Trace sur le buste, collage au niveau de la bouche.
Dim. : Haut. : 48 cm, Larg. : 36 cm, Prof. : 33 cm
Né en 1976 à Sant Feliu de Guíxols, en Espagne, Gerard Mas est un sculpteur renommé pour sa capacité à fusionner les techniques classiques avec des thèmes contemporains. Après s'être spécialisé en sculpture et en taille de pierre à l’École des Arts Appliqués et Métiers Artistiques "Llotja" de Barcelone, il a approfondi son expertise en obtenant un diplôme de conservateur-restaurateur de sculpture à l'Escola Superior de Conservació i Restauració de Béns Culturals de Catalunya.
Le travail de Mas se distingue par une approche figurative et réaliste qui évoque l’esthétique classique, notamment l’art de la Renaissance. Ses influences puisent dans l’art égyptien, l’art gothique, le Quattrocento italien et le dadaïsme. En mêlant ces diverses traditions artistiques, il établit un dialogue entre héritage et culture contemporaine, insufflant une touche ludique à ses œuvres. Son expérience en restauration d’art et son immersion dans les chefs-d’œuvre du passé l’amènent à fusionner expressions artistiques anciennes et modernes.
Parmi ses œuvres les plus remarquées figure la série "Dames", dans laquelle il sculpte des femmes vêtues selon les codes de la Renaissance, mais leur confère une touche résolument contemporaine. Un exemple frappant est La Dama del Chupa Chups, qui représente une femme élégante soufflant une bulle de chewing-gum, créant ainsi un contraste saisissant entre le raffinement du portrait renaissant et une attitude ludique et moderne. Par ce jeu de décalage, Mas remet en question les perceptions conventionnelles de la beauté et les notions de vertu.
Ses sculptures font partie de collections prestigieuses, notamment celles du Musée Européen d'Art Moderne (MEAM) à Barcelone, de la Fundació Vila Casas à Barcelone et du Musée International de Sculpture Figurative Contemporaine (MEFIC) à Murcie.
Son travail a également été présenté lors de ventes aux enchères à plusieurs reprises. En 2023, sa sculpture La Dama del Chupa Chups (2022) a atteint un prix de vente notable de 4 800 € chez Fernando Durán, à Madrid. Voir le lot
Estimé 300 € - 500 €
Par DUPONT & Associés à Paris le 04/06/2025 : Costantina édition MOGG
Paire de bougeoirs cubistes en métal doré
Haut. : 55 cm
Légères usures
Conçu par les designers Nava + Arosio, le luminaire Costantina édité par Mogg possède une esthétique unique, qui se caractérise par le jeu de ses courbes et arêtes. Voir le lot
Estimé 800 € - 1 500 €
Par DUPONT & Associés à Paris le 04/06/2025 : Helmut PALLA (1958)
Seatyr 2. Chaise en bois tourné, corne d'Oryx et fourrure.
Cette chaise fait partie d'un trio de sièges réalisés par l'artiste viennois, dénommé Triumvirat seatyrs chairs.
Dim. : 124 x 52 x 42 cm
Cet autodidacte et « designer de la déconstruction », comme il se définit lui-même, est né en 1958 et a commencé sa carrière professionnelle en tant que photographe publicitaire. Il s'est ensuite tourné vers le design, où il fonctionne généralement à la fois comme concepteur et comme fabricant, se spécialisant dans les pièces uniques au caractère puissant et souvent expérimental. Après des projets tels que la Tatgalerie (design pour les 2e et 3e peaux), B.Ä.N.G. (construction d'objets utilitaires esthétiques) et Turniture (appareils de gymnastique tournés et accordés), l'« homme-chaise » s'est principalement occupé de chaises, de tabourets et de sièges. L'artiste et designer viennois Helmut Palla transforme des meubles trouvés en œuvres d'art inhabituelles. Depuis de nombreuses années, il collectionne divers objets qu'il reconfigure dans son atelier. L'un des principaux thèmes de son travail est le mobilier et sa fonctionnalité. si toutes ses œuvres utilisent des éléments de meubles, nombre d'entre elles ne fonctionnent pas en tant que telles. Dans cette optique, Palla remet en question le rôle fonctionnel de ces objets, nous montrant de nouvelles possibilités qui déconstruisent le familier. Une chaise est-elle une chaise si l'on ne peut pas s'asseoir dessus ? Une chaise est-elle une chaise, même si elle ne correspond pas à la forme archétypale ? Ces questions viennent souvent à l'esprit lorsque l'on regarde les créations transformées de Palla.
Source : Galerie Risekult Voir le lot
Estimé 1 000 € - 1 500 €
Par DUPONT & Associés à Paris le 04/06/2025 : KOLKHOZE
Sculptural Chair III
Chaise architecturée à haut dossier incurvé en bois laqué vert
Haut. : 130 cm, Larg. : 48 cm, Prof. : 50 cm
Nées en 1981 à Tbilissi, en Géorgie, Keti Toloraia et Nata Janberidze comptent parmi les designers contemporaines les plus influentes de leur pays. Diplômées de l'Académie des Beaux-Arts de Tbilissi, elles se sont réunies autour d’une vision commune et d’un profond attachement à l’esthétique et à l’artisanat géorgiens. En 2007, elles fondent Rooms Studio, une structure créative tournée vers une approche expérimentale et introspective du design.
La pratique de Rooms Studio se définit par une fusion d’influences architecturales soviétiques, de la radicalité du brutalisme et des traditions géorgiennes. Utilisant des matériaux tels que le bois, le laiton, le plâtre et la pierre, chaque pièce est minutieusement façonnée à la main par des artisans locaux. Leur travail explore l’équilibre entre minimalisme et expressivité, transcendant la fonction utilitaire pour s’inscrire dans le champ du design de collection.
Fabriquée à partir de bois centenaire selon des techniques traditionnelles géorgiennes, Sculptural Chair III incarne une rencontre entre artisanat ancestral et design conceptuel. Sa silhouette imposante et ancrée s’inspire de l’architecture vernaculaire géorgienne, faisant écho à des formes telles que les arcs, les seuils monumentaux et les structures fortifiées. Ces références architecturales sont réinterprétées à travers une approche minimaliste, donnant naissance à une œuvre à la fois enracinée et résolument contemporaine. La touche finale — une surface dorée — introduit des thèmes d’alchimie et de mysticisme, élevant la chaise fonctionnelle au rang d’objet sculptural et symbolique. Par cette fusion du passé et du présent, Sculptural Chair III se situe au croisement de la mémoire, de la matière et de la forme.
Au-delà de la série Sculptural Chair, devenue emblématique de leur langage esthétique, Rooms Studio a développé plusieurs collections marquantes. Parmi les plus notables figurent la collection Wild Minimalism, Life on Earth, The Presence of Absence et la série Mirrors and Consoles.
Rooms Studio a exposé sur la scène internationale à l’occasion de foires de design majeures telles que Design Miami/, Nomad (St. Moritz et Capri) et le Salone del Mobile de Milan. Leur travail a reçu une reconnaissance mondiale, avec des publications dans des médias de référence tels que Architectural Digest, Wallpaper* , Dezeen et The New York Times Style Magazine
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Estimé 300 € - 500 €
Par DUPONT & Associés à Paris le 04/06/2025 : Album en cuir à décor floral de style Art nouveau contenant une série de tirages Polaroid en noir et blanc.
Signé « RJ », daté « Los Angeles, CA 2016 », exemplaire unique (1/1).
Photographe non identifié
Polaroids, 2016
31,6 × 26 × 6,5 cm Voir le lot
Estimé 200 € - 300 €
Par DUPONT & Associés à Paris le 04/06/2025 : Trois vases façon kintsugi
De forme anthropomorphe stylisée soulignée de filet doré à la façon du Kintsugi.
Haut. : 42, 5 cm
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