Des enchères à plus d'un million d'euros pour l'art du XVIIe siècle : retour sur les résultats du mois de mars

Une Académie du Bernin à 1,9 million d’euros, une nature morte de Maria Van Oosterwyck à plus de 800 000 euros, une suite de cuivres attribués à Jan Brueghel le Jeune à 650 000 euros… Retour sur les plus belles adjudications du mois de mars.

Un dessin du Bernin et une toile de Maria Van Oosterwyck adjugés jusqu’à 1,9 million d’euros

Avec l’arrivée du printemps, les ventes aux enchères du mois de mars ont vu fleurir une série de chefs-d’œuvre signés de grands maîtres du XVIIe siècle. Le 20 mars à Compiègne, un dessin inédit de Gian Lorenzo Bernini, dit le Bernin (1598-1680), s’est envolé à 1,937 million d’euros (frais compris), enregistrant un record mondial pour une œuvre sur papier du sculpteur baroque. Découvert dans une propriété compiégnoise par la maison Actéon, le dessin a été remporté par un collectionneur new-yorkais. Le 26 mars à Paris, la maison Kâ-Mondo dévoilait à son tour deux rares papiers du XVIIe siècle provenant de la collection du marquis de Lagoy. Conservés jusqu’alors au château de Lagoy, un Christ à la colonne de Simon Vouet (1590-1649) et un projet de vignette pour l’Opticorum Libri Sex de Franciscus Aguilon de Peter Paul Rubens (1577-1640) ont trouvé respectivement preneur à 340 200 et 302 400 euros. Le même jour à Troyes, c’est une nature morte de la peintre néerlandaise Maria Van Oosterwyck (1630-1693) qui créait la surprise. Découverte lors d’un inventaire par Léonard Pomez, la toile a pulvérisé son estimation, fixée entre 100 000 et 150 000 euros, pour s’envoler à 650 000 euros, enregistrant la deuxième plus belle enchère mondiale pour l’artiste. Les 27 et 28 mars, deux autres chefs-d’œuvre du XVIIe siècle ont doublé leurs estimations, avec des enchères portées jusqu’à 650 000 à Lille pour une série de cuivres attribués à Jan Brueghel le Jeune (1601-1678) et 252 150 euros à Bordeaux pour un cuivre inédit de Ludovico Carracci (1555-1619).

Un paysage breton de Kupka adjugé à 774 900 euros et un record mondial pour Ulysse Besnard

Du côté de l’art contemporain, un paysage breton signé Kupka (1871-1957) a été adjugé à 774 900 euros par Carole Jézéquel le 15 mars à Rennes. Daté de 1909, le tableau a été remporté par un collectionneur originaire de Bratislava, face à dix enchérisseurs, dont un collectionneur breton. Le 21 mars à Blois, une étude de femme et paysage de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) a quant à elle trouvé preneur à 86 400 euros, sous le marteau de Guillaume Cornet. A noter également un record mondial enregistré à La Rochelle le 31 mars avec un plat en faïence d’Ulysse Besnard (1826-1899), un artiste originaire de Blois. Acquis par un collectionneur français, le plat dévoilait un riche décor polychrome représentant une scène de cour avec Henri IV.

Découvrez notre sélection des résultats du mois de mars 2021 dans notre galerie en image ci-dessous. Tous les prix de la galerie sont indiqués hors frais de vente.

Par COMPIEGNE ENCHÈRES – ACTEON COMPIÈGNE à Compiègne le 20/03/2021 : Gian Lorenzo BERNINI (1598-1680) Académie d’homme Sanguine avec de légers rehauts de craie blanche 56 x 42,5 cm Porte sur le montage un cartouche avec une attribution à Pierre Puget Provenance : – Collection particulière, Compiègne Expert : Cabinet de BAYSER – 01 47 03 49 87 (dessin visible chez l’expert jusqu’au 17 Mars) L’oeuvre sera délivrée avec un certificat autorisant son exportation hors de France. This drawing will be delivered with a certificate authorizing its exportation outside of France. Notre dessin est très proche des académies de dimensions similaires conservées au musée des Offices à Florence (in Selected drawings of Gian Lorenzo Bernini, Ann Sutherland Harris, Dover Publications, NY, 1977, cat. 4 & 5), ainsi que d’une autre académie conservée au Teyler Museum provenant de la collection de Christine de Suède (Regteren van Altena, Les dessins italiens de la reine Christine de Suède, Stockholm, 1966, repr. Fig.75). Les figures académiques du Bernin s’inspirent de la puissance des ignudi de Michel-Ange. Les corps paraissent gigantesques car ils sont comme recroquevillés dans l’espace défini par la feuille. Ils dépasseraient largement le cadre imposé s’ils dépliaient leurs membres. Les contours sont dessinés avec de nombreux petits traits de sanguines superposés, discontinus. Les corps dégagent dès lors une puissance contenue, et le traitement des contours rend la vibration de la chair. Les rochers et la végétation contrastent par un traitement de hachures larges et vigoureuses. Sans être directement préparatoires, on peut rapprocher ces académies des êtres allégoriques représentant les fleuves des quatre parties du monde dans la fontaine de la place Navone. La fontaine de la place Navone fut réalisée pour Innocent X à partir de 1648. Nous remercions Madame Ann Sutherland Harris, qui a confirmé l’attribution du dessin au Bernin. Rapport de condition : Doublé Déchirure traversant la feuille horizontalement au centre Petit manque sur l’épaule droite (2 cm x 1 cm), petit manque sur le bras droit (0,5 cm) Coins supérieurs manquant restaurés Manque sur le bord gauche 0,5 cm de large sur 20 cm; 0,5 cm de large sur 5 cm Quelques épidermures éparses Un petit trou d’épingle sur la cuisse droite, un petit trou d’épingle sur le pied, un petit trou d’épingle à l’aine et un petit trou d’épingle sur le tibia gauche Petites taches noires éparses Condition report : Glued Horizontal tear in the middle Little loss of paper on the right shoulder (2 cm x 1 cm), and on the right arm (0,5 cm) Irregular hedges Upper corners restored Two losses on the left hedge (0,5 cm x 20 cm); (0,5 x 5 cm) Little losses on the surface of the paper Four little pin holes : two on the right thigh, on the right foot, and one on the left tibia Little black stains

Par Boisseau-Pomez Sarl – Hôtel des Ventes de Troyes à Troyes le 26/03/2021 : Maria VAN OOSTERWYCK (Nootdorp,1630 – Amsterdam,1693). Bouquet de fleurs dans un vase en grès du Rhin posé sur un entablement à côté d’ une nature morte de coquillages. Huile sur Toile, signé en bas à gauche, sous la nature morte de coquillages : « MARIA VAN OOSTERWYCK ». Hauteur : 101 cm – Largeur : 78 cm. (Petits manques et soulèvements). ATTENTION : LOT NON VENDU EN LIVE – ENCHERES PAR TELEPHONE ET ORDRE D’ACHAT UNIQUEMENT LOT SOUMIS A CAUTION BANCAIRE AVANT ENCHERES avec pré-inscription auprès de l’étude et caution de 10 000 € : Merci de contacter notre secrétariat : 03 25 73 34 07 – [email protected] LOT SUBMITTED TO BANKING CAUTION BEFORE AUCTION with pre-registration at the secretariat and a deposit of 10 000 € : Please contact our secretariat: 03 25 73 34 07 – [email protected] EXPERT : Monsieur Stéphane PINTA, Cabinet Eric TURQUIN – Tableau visible sur rendez-vous au Cabinet – 69, rue Sainte-Anne – 75002 PARIS – Tél : 01 47 03 48 78 Rapport de condition : Le tableau peint sur toile, a été rentoilé et tendu sur un châssis à clefs qui date sans doute des années 1970/80. La tension pourra être améliorée dans les angles où l’on note des craquelures en biais et des petites déformations. Le réseau de craquelures est présent sur l’ensemble, car une perte d’adhérence généralisée est en cours d’évolution ce qui accentue l’état de surface irrégulier. Il existe déjà des toutes petites pertes de matière récentes, il faudra très rapidement envisager un refixage généralisé pour stabiliser le processus. La couche picturale est couverte d’un vernis ancien, visible sous lumière ultraviolette, et irrégulièrement allégé. Un vernis synthétique plus récent et épais couvre l’ensemble, il présente des blanchiments localisés, notamment dans certains feuillages. Ce vernis altéré recouvrant l’iris violet en partie supérieure, a été partiellement nettoyé ce qui permet de révéler la matière originale intacte. Sous lumière ultraviolette, la zone ne fluoresce plus et apparait sombre à présent. Les fleurs, les insectes et les coquillages sont très bien conservés, avec une belle matière grasse et pas d’usures notables. Le vase présente quelques petites lacunes retouchées grossièrement. Le fond semble également en bon état. En conclusion le tableau est dans un bon état général de conservation. La couche picturale est altérée par un vernis épais et ponctuellement dégradé, mais il y a très peu d’usures et de lacunes. L’adhérence est mauvaise mais on note encore eu très peu de pertes de matière, et il est urgent consolider l’ensemble. Condition report : The painting, executed on canvas, has been relined and stretched on a key stretcher that probably dates to 1970/80. The tension could be improved in the corners where one can see craquelure on the bias and small deformations. The network of craquelure is visible on the painting overall because a general problem of adherence is currently evolving which accentuates the irregular surface. There are some tiny losses that are recent; the paint surface should be consolidated in order to stabilize this process of lifting. The pictorial layer is covered by an old varnish which is visible under UV and which has been irregularly lightened. A more recent synthetic varnish covers the painting, this varnish has areas of blanchingnotably in some of the leaves. This altered varnish covering the upper part of the purple iris has been partially cleaned which reveals the original paint matter, which is intact. Under UV light, this area no longer comes up fluorescent and now appears somber. The flowers, insects and seashells are very well conserved with beautiful thick paint and no notable wear. The vase has some small losses that have been grossly retouched. The background appears to be in good condition. In conclusion, the painting is in generally good condition. The paint layer is altered by a thick varnish that has degraded in some areas, but there are very few areas of wear or loss. The adherence is poor but for now there is very little paint loss, it is urgent that the overall pictorial layer be consolidated. Les voyageurs arrivant en Hollande à la fin du XVIIe siècle étaient frappés par la place que les femmes pouvaient y tenir. Bien plus que dans les pays monarchiques, elles étaient protégées par la loi. Pouvant établir des contrats commerciaux et des actes notariés, elles pouvaient mener une affaire et, si le talent les aidait, accéder à la société cultivée. C’est bien dans la République des Pays-Bas que fut publié par Anna Maria Schurman l’un des premiers manifestes féministes : « La docte Vierge ou Se peut-il qu’une vierge soit aussi une savante », traduit en anglais en 1659. C’est dans ce contexte que Maria van Oosterwyck est portraiturée en 1671 par Wallerant Vaillant, tenant, non seulement une palette et des pinceaux mais aussi un livre. Femme peintre reconnue par ses contemporains, elle se fit sans conteste une belle place en marge de la guilde des peintres. Son père qui était pasteur à Nootdorp, près de Delft où elle naquit, se remarie en 1643 avec un membre d’une famille d’artistes qui l’encouragea probablement très tôt. Après un séjour à Leyde en 1658, elle rejoignit le grand peintre de natures mortes d’Utrecht, Jan Davidsz de Heem et résida dans cette ville de 1660 à 1665 avant de s’établir à Amsterdam où ses moyens lui permirent d’avoir un atelier sur le prestigieux Keizersgracht à côté de celui de Willem van der Aelst dont elle aurait éconduit les avances si l’on en croit son biographe Arnold Houbraken. Elle vécut à Amsterdam jusqu’en 1689, date de sa dernière œuvre datée. Maria van Oosterwyck est connue pour des vanités de grands formats réunissant de nombreux objets autour d’un crâne, datées entre 1655 et 1668. Plus tardive, cette composition met en garde avec subtilité contre l’illusion de la toute puissance de la Connaissance, celle qui guette les amateurs qui se passionnent pour les « phénomènes visibles du monde, créés par Dieu ou les hommes ». Soucieux de décrire le monde avec précision et d’établir des classifications, ils peuvent amasser de grandes richesses dans leurs cabinets. On y trouvait des « coquilles » exotiques rapportées dans les Pays-Bas par la Compagnie des Indes. Elles étaient exposées dans des arrangements soignés, en fonction de leurs formes et couleurs, l’animal les habitant étant totalement inconnu. Maria van Oosterwyck en représente de façon méthodique quelques spécimens de chaque classe, prenant soin d’en montrer diverses faces. Les « fleuristes » collectionnaient et « élevaient » des plantes dans leur jardin, notamment des tulipes venues d’Orient, qu’ils croisaient pour en multiplier les espèces et étaler les floraisons. Le bouquet que peint Maria van Oosterwyck associe des espèces ne fleurissant pas en même temps, choisies pour leurs formes et leurs couleurs. Pour les peindre avec exactitude, elle s’aide de ses études à l’aquarelle. Le bourdonnement de divers insectes, libellule, bourdon, papillons anime l’ensemble. Mais attention, ce foisonnement est éphémère, la pivoine, trop lourde, va bientôt perdre ses pétales et le papillon se poser, nous rappelant la fugacité de la vie et l’inévitable passage par la mort qui, seul, mène à la résurrection. Le combat qui orne le vase de grès illustre le combat que doit mener chaque jour celui qui contemple le tableau pour s’assurer la vie éternelle. Maria van Oosterwyck, issue d’une famille protestante, mena elle-même une vie de dévotion et sauva plusieurs prisonniers chrétiens réduits à l’ esclavage par les hérétiques en les rachetant. Les musées de Copenhague et de Dresde conservent deux autres bouquets placés à côté d’ une nature morte de coquilles. Celle de Copenhague signée et datée 1685 (toile, 120 x 99,5 cm), celle de Dresde (toile, 72 x 56 cm), signée également est probablement celle acquise par Johann Georg III, électeur de Saxe, en 1688. En juin 2019, le Joslyn Art Museum, Omaha, Nebraska en a acquis une autre avec un vase en verre (toile, 88,5 x 66,5 cm) . C’est dans la version que nous présentons version que la nature morte de coquilles est la plus importante (3 coquilles à Dresde, 4 coquilles à Copenhague). Plus modeste, le tableau de Hampton Court (toile, 47,6 x 36,8 cm) se limite à une coquille. Dans le catalogue d’une vente le 22 avril 1818 à Anvers où figurait une nature morte de notre artiste (Lugt 9355), on peut lire le commentaire suivant: « Un magnifique bouquet dans une carafe posée sur une table de marbre, des papillons et autres insectes, les uns voltigeant, les autres posés sur les fleurs. Aucun artiste de ce genre n’est arrivé à ce degré de perfection ; elle n’a jamais eu de rivaux tant pour la composition que pour le coloris et le fini précieux. Le peu de tableaux qu’elle a pu finir, vu le travail qu’elle y mettait, sont enfermés avec soin dans les meilleures collections de l’Europe ».

Par KÂ- MONDO à Paris le 26/03/2021 : Simon VOUET (Paris 1590 – 1649). Le Christ à la colonne. Pierre noire et craie blanche sur papier beige. 29 × 20,7 cm. Annoté en bas à droite à la plume et encre brune : « S.Vouete ». Collé en plein sur une feuille de montage ancienne, quelques rousseurs. Au verso du montage, annotation ancienne à la plume de la main du marquis de Lagoy : « Étude du Christ à la Colonne du Tableau de Le Sueur qui est au musée de Versailles »/ « Eustache le Sueur ». OEuvres en rapport : Le Christ à la colonne, tableau conservé au musée du Louvre (voir W.Crelly, The paintings of Simon Vouet, New Haven and London, Yale University Press, 1962, n°105, repr. fig. 58). Homme liant une poignée de verges, pierre noire et rehauts de craie blanche, dessin pour un des bourreaux, conservé au musée des Beaux-Arts de Besançon (voir Jacques Thuillier et Barbara Bréjon de Lavergnée, catalogue d’exposition Vouet, Paris, 1990-91, ed. Rmn, n°102, repr. p.417). Figure de bourreau, pierre noire et rehauts de craie blanche, conservé à la Bayerische Staatsbibliothek de Munich (voir Richard Harprath, Simon Vouet, 100 Neuentdeckte Zeichnungen, 1991, München, n°26, repr. p.94). Ce splendide dessin inédit est préparatoire pour le tableau de même sujet conservé au musée du Louvre. L’exécution sûre et rapide montre un Christ au torse puissant, avec un repentir sur le bras gauche qui nous donne une impression de torsion encore plus vivante. Le pagne est à peine esquissé, et les genoux un peu plus serrés. Le Christ est incarné dans un corps musculeux dont on peut rapprocher le naturalisme de l’art de Carrache et plus encore du Caravage. William Crelly avait judicieusement indiqué la proximité de la Flagellation du Caravage de San Domenico Maggiore à Naples. Il nous paraît que le buste du Christ est encore plus similaire à celui du Christ à la colonne peint par Caravage à Naples vers 1606-07 et maintenant conservé au musée des Beaux-Arts de Rouen. Ce tableau a peut-être appartenu au cardinal Scipion Carafelli Borghese, qui fit construire à Rome la villa Borghese pour abriter ses collections. Il est possible que Vouet l’ait vu à Rome chez le cardinal, quand il séjournait dans la ville éternelle. De même l’influence plus vénérable de Sebastiano del Piombo sur les caravagesques comme Vouet est sensible au travers des réminiscences de la Flagellation de l’église San Pietro di Montorio à Rome. Vouet rentre d’Italie en 1628. Le tableau de Vouet du Louvre est daté par Crelly vers 1638, ainsi que le dessin préparatoire de Besançon, daté par Barbara Bréjon de Lavergnée vers la fin de la décennie 1630. Quelle que soit la date du dessin, il émane encore de fortes réminiscences du Caravage. Vouet utilise le même type physique pour représenter une Étude pour un Christ sur la croix (Kupferstichkabinett de BerlinDalhem) préparatoire pour la Crucifixion (musée des Beaux-Arts de Lyon) qui décorait la chapelle de l’hôtel Séguier, exécuté vers 1636 (voir Thuillier et Bréjon de Lavergnée, opus cité supra, n°105, repr.). Le Christ y allie puissance virile et abandon féminin, avec cette grande mèche de cheveux longs bouclés qui vient caresser l’épaule. Un autre dessin de la même époque (opus cité supra, n°107, repr.) présente la même inscription ancienne à la plume que sur notre dessin, qui laisse penser qu’elle correspond à la prononciation ancienne du nom : » S. Vouete « . Le tableau du Louvre, classé en tête des oeuvres de Vouet dans l’Inventaire des tableaux du Roi rédigé par Bailly en 1709 et 1710, fut donné à Le Sueur par Dézallier d’Argenville. Crelly le rend à Vouet dans sa monographie en 1962, attribution entérinée par Pierre Rosenberg dans son Inventaire des peintures du Louvre en 1974. Alain Mérot, dans sa monographie sur Le Sueur le rend à Vouet en 1987. Lorenzo Pericolo penche pour une attribution à Le Brun jeune (voir L. Pericolo, » A propos de l’auteur du Christ à la colonne du Louvre: Vouet, Le Sueur ou Le Brun ? « , Revue du Louvre, Revue des musées de France, décembre 2001, n° 5, p.41-49) ; et de nombreux noms d’épigones de Vouet ont été prononcés. Le tableau est actuellement classé comme attribué à Simon Vouet et son atelier. Le dessin pour le bourreau accroupi liant une poignée de verges, préparatoire pour le même tableau, porte une inscription ancienne le donnant à Le Sueur. Barbara Bréjon de Lavergnée le rend également à Vouet dans l’Inventaire Général des dessins / École française/ Dessins de Simon Vouet publié en 1987 (ed. RMN, Paris, n° LIX, p.102, repr.). Dans le catalogue de l’exposition Vouet de 1990, elle note que la connaissance du dessin permet de pencher définitivement en faveur de Vouet pour l’invention de la composition, la peinture pouvant être attribué à Vouet et son atelier. Comme à d’autres occasions, le processus de fabrication dans l’atelier est une succession d’étapes : le maître dessine la composition et les figures, l’atelier exécute la peinture. La réapparition de ce magnifique dessin vient confirmer cette analyse. Provenance : collection du marquis de Lagoy, par descendance. /// FICHE RACCOURCIE ///

Par KÂ- MONDO à Paris le 26/03/2021 : INFORMATION : LE DESSIN EST VENDU SANS LE CADRE DE PRÉSENTATION D’EXPOSITION /// Peter Paul RUBENS (Siegen 1577 Anvers 1640). Projet de vignette pour l’Opticorum Libri Sex de Franciscus Aguilon: un scientifique en Atlas portant une sphère armillaire pour en étudier la projection des ombres, vers 1613. Plume et encre brune, lavis d’encre brune et rehauts de gouache blanche, passé au stylet. 9,5 × 14,3 cm. Collé en plein sur un montage du XVIIIe siècle. Bibliographie : J.Richard Judson et C. van de Velde, Corpus Rubenianum Ludwig Burchard, Part XXI, Book illustrations and title-pages, volume I, n°16 et 16a, pp.114-115, volume II, gravure reproduite figure 68, dessin cité comme perdu. OEuvres en rapport : Gravé en sens inverse en 1613 pour le Livre VI de Franciscus Aguilon, Opticorum Libri Sex, publié à Anvers. Deux autres dessins de Rubens pour la série de gravures illustrant le livre sont conservés à la National Gallery of Art de Washington, le projet du frontispice étant lui conservé au British Museum à Londres. Un tableau par Rubens représentant Des philosophes mesurant la projection d’un planisphère (voir M. Jaffé, Rubens and optics : some fresh evidence, Journal of the Warburg and Courtauld Institutes, n°34 (1971), pp.362-366, repr.60a. Architecte, physicien, théologien, mathématicien, le père Franciscus Agulonius ou François d’Aguilon (Bruxelles 1566 – Anvers 1617) était à la pointe des recherches dans le domaine de l’optique et eut une grande influence sur les physiciens de son temps. De père espagnol, il étudia au collège jésuite de Douai et entra dans l’ordre en 1582. Il fut professeur de philosophie à Douai puis intégra la maison professe d’Anvers en 1598. Il grimpa les échelons pour devenir recteur en 1608. Très admiré pour ses connaissances en mathématique, il fut requis pour donner des plans de construction d’église à Mons puis à Tournai, avant de prendre en main le grand chantier de Saint Charles Borromée d’Anvers en 1613. Concomitamment, la publication de son livre Opticorum Libri Sex en 1613 est un événement dans les milieux savants. Malheureusement seul le premier volume est publié de son vivant. Le texte de 684 pages, divisé en six parties, est un condensé des connaissances en optique, sur la lumière et la vue. Il est le premier à développer la notion de projection stéréographique. Il applique les lois optiques scientifiques à l’art et aux techniques. Rubens est payé par les Presses Plantin en 1613 pour l’exécution du frontispice et de six vignettes en titres des livres. Aguilon était un ami proche de Rubens. Il dessina les premiers projets pour la grande église baroque de Saint-Charles-Borromée d’Anvers, qui fut construite finalement par Pierre Huyssens et entièrement décorée par Rubens. Rubens y peignit les deux gigantesques Miracles de saint Ignace de Loyola et de saint François Xavier (Vienne, Kunsthistorisches Museum) avant de développer un cycle de 39 peintures dans les galeries adjacentes. En 1718, un incendie détruisit l’église, n’épargnant que la façade. La collaboration entre Aguilon et Rubens était donc une fructueuse association de leurs talents respectifs, et il est certain que Rubens dût longuement discuter avec Aguilon des représentations envisagées pour son livre. Rubens était très au fait des recherches en optique et se proposait lui-même de publier un livre sur ses observations en optique, symétrie, proportions, anatomie, architecture, dont le manuscrit brûla dans l’incendie de l’atelier Boulle au Louvre en 1720. On sait aussi que Pompeo Leoni montra à Rubens des manuscrits de Léonard en sa possession. Roger de Piles rapporte l’admiration de Rubens pour les recherches de Vinci, qui travailla particulièrement sur l’optique, que ce soit dans son projet de Trattato della Pittura ou dans le manuscrit C. Les principes optiques que Rubens développe sont particulièrement proches des observations de Léonard (voir Juliana Barone, » Rubens and Leonardo on Motion : Figures, Inscriptions, and Texts « , in Re-Reading Leonardo, 2009, ed. C.Farago, pp.441-472). Notre dessin, inédit, vient heureusement compléter les rescapés de la série, le projet du frontispice conservé au British Museum et les deux compositions maintenant réunies à la National Gallery de Washington. Le frontispice utilise le langage allégorique classique des personnifications mythologiques. Les six gravures de Rubens illustrent les titres des six parties du livre. Ils mettent en scène un savant dirigeant des expériences avec une équipe de putti » assistants « . Rubens s’inspire de son maître Otto Venius qui avait publié ses Emblemata amorum en 1608 en les peuplant de putti. Les expériences montrent les enfants s’exerçant aux manipulations scientifiques sous l’autorité d’un savant. La première, qui retrace les propriétés de l’oeil, montre la dissection d’un oeil de cyclope par un putto, sous l’oeil d’un savant. La seconde, dévolue au rayon visuel, montre un savant calculant la taille de l’angle du Colosse de Rhodes pour en trouver la hauteur précise au moyen d’un horoptère. La troisième concerne la cognition, faculté d’un organisme pour appréhender la taille d’un objet. La quatrième traite des illusions optiques et montre un savant agenouillé étudiant la projection binoculaire d’un élément sur un écran. La cinquième leçon est consacrée à l’ombre et la lumière, et le dessin de Rubens met en scène la projection de deux sources lumineuses au travers d’un obstacle. Enfin, la dernière s’intéresse aux projections, divisées en trois sortes : l’orthographique, la stéréographique, la scénographique. Le savant est représenté en Atlas portant une sphère armillaire sur le dos. Un putto dans les airs tient une torche dont la lumière projette au sol les ombres des anneaux de la sphère. L’ombre est mesurée avec un compas par un second amorino, pour l’instruction d’un troisième qui l’observe. Le thème est la projection de l’ombre d’un solide sur une surface plane. Dans son livre, Aguilonus en décrit les nombreuses applications possibles dans les sciences et les arts. Cet ensemble d’illustrations savantes est l’unique incursion de Rubens en dehors des domaines habituels de l’artiste : frontispices, reproduction d’oeuvres de l’artiste, représentations de cérémonies officielles. Le catalogue manuscrit de la collection Lagoy ne porte pas de trace de ce dessin. La présence de ce dessin dans la collection du marquis de Lagoy est peut-être à rapprocher de l’influence de Peiresc, grand ami de Rubens et élève de Galilée, figure historique d’Aix-en Provence. L’oncle de Lagoy, le marquis de Méjanes, dont il fut l’exécuteur testamentaire, éprouvait une grande admiration pour l’érudit aixois. Il avait réuni un important cabinet consacré à Peiresc, qui fut donné à la ville d’Aix-en-Provence et constitue le fonds ancien de la bibliothèque Méjanes. Nous remercions Madame Ann-Mary Logan et Madame Kristin Lohse Belkin, de nous avoir aimablement confirmé l’authenticité de ce dessin d’après une photographie. Il sera inclus dans le volume II de leur publication » Rubens drawings (1609-1621) « , actuellement en préparation, qui sera édité par Brepols. Provenance : collection du marquis de Lagoy, par descendance.

Par DE BAECQUE et Associés à Lyon le 01/03/2021 : Théodore LEVIGNE (1848-1912) Catherine de Médicis assistant à une joute nautique lors de sa visite à Lyon en 1548 Huile sur toile rentoilée, signée et datée « 1899 » en bas à droite H. 104 cm L 158 cm HVS Restaurations La municipalité de Lyon eut l’honneur de la visite du roi Henri II le dimanche 23 septembre 1548. Pour l’occasion les échevins de la cité organisèrent des festivités grandioses qui témoignèrent de la richesse et de l’importance de la ville : décors éphémères à l’antique, joutes navales et défilés grandioses accompagnèrent le parcours du souverain. Le lendemain ce fut au tour de la reine Catherine de Médicis de faire son entrée dans la capitale des Gaules donnant un nouvel élan aux festivités qui durèrent une semaine. C’est cet évènement que le peintre Théodore Lévigne choisit pour sujet de cette importante toile : la souveraine, entourée de sa cour, assiste à une joute nautique. L’instant représenté est haletant : les lances viennent de s’entrechoquer, les rameurs sont encore baissés pour se protéger et le vaincu vacille, frappé par l’immense lance, avant de chuter dans la Saône. Le vainqueur, à la musculature athlétique, occupe le centre de la composition et semble presque être le véritable sujet de la toile. Peintre par excellence de la Belle Epoque lyonnaise, Lévigne offre ici une vision colorée et rêvée de ces festivités où les riches brocarts trempent négligemment dans l’eau du fleuve dominée par l’imposante et sombre silhouette de la cathédrale Saint-Jean. Ce sujet semble avoir été pour Théodore Lévigne l’objet de plusieurs réalisations en cette toute fin du XIXe siècle : en 1898 il réalisa à Grigny, dans la région lyonnaise, un important décor sur ce thème pour le manoir d’un riche homme d’affaire nommé Antoine Brasseur. Nous retrouvons dans cet ensemble de grandes similitudes avec l’oeuvre présentée ici, notamment la joute nautique. L’année suivante il présenta au Salon de la Société Lyonnaise des Beaux-Arts une toile intitulée « Entrée solennelle de Catherine de Médicis à Lyon, le 24 septembre 1548, à Pierre-Scyze » (N°409). Il est à noter que cette scène prenait place à Pierre-Scyze, en amont du quartier Saint-Jean où se déroule l’action de notre tableau. Lévigne réalisa donc plusieurs compositions représentant la visite de la reine à divers instants qui s’enchainaient dans le temps. Notre tableau, daté de 1899, année même où Théodore Lévigne exposait au Salon ce sujet, fut probablement une commande passée au lendemain de cette exposition : un amateur séduit par les richesses de la cour de Catherine de Médicis voulut probablement lui aussi sa part d’Histoire. Nous remercions Monsieur Maurice Robert, de l’Association du vieux Grigny, pour son aide quant à la rédaction de cette notice.

Par Sarl CANNES ENCHERES à Cannes le 19/03/2021 : Ecole FRANCAISE du XVIIIe siècle, atelier de Hyacinthe RIGAUD. Portrait de Marie-Louis-Charles d’Albert de Luynes, du duc de Monfort. Sur sa toile d’origine. 85,5 x 72 cm. Note : ce portrait est une réplique due à l’atelier de Rigaud d’après le prototype réalisé par Rigaud en 1722 (huile sur toile, H. 0,81 x L. 0,65 m, collection Luynes, voir A. James-Sarazin, Hyacinthe Rigaud, 2016, t. 2, n° P.1387, p. 473, reproduit), à l’époque où le jeune duc de Montfort n’a que 5 ans. Contrairement à l’original qui est inscrit dans les livres de comptes de Rigaud en 1722 pour 1000 livres, ni le ricordo sur papier bleu de l’Albertina (voir A. James-Sarazin, Hyacinthe Rigaud, 2016, t. 2, D.135, p. 620, reproduit) ni ce tableau ne sont mentionnés dans les livres de comptes au titre des répliques réalisées par l’atelier. Mais cela, on le sait, n’est pas une exception dans l’atelier du maître. Par rapport à la manière de Rigaud le visage de ce portrait présente une manière lisse et porcelainée qui exclut, par exemple, les effets de pinceau dans la matière au niveau des carnations, ainsi que la vibration des impacts de blanc aux paupières inférieures, qui confèrent habituellement aux originaux de Rigaud une présence et une proximité tout à fait particulières. Nonobstant la faiblesse du traitement du rideau dans le fond à gauche, ainsi que du bout de la manche gauche et de ses dentelles qui pourrait être le fait d’un rajout ultérieur, le traitement différencié des matières (soie et brocart du justaucorps, velours et hermine du manteau ducal, dentelles du col et du poignet droit, métal du plastron, fibules et agrafes en joyaux) frappe par son très beau rendu illusionniste qui est l’une des marques distinctives de l’artiste. A noter que l’attitude prêtée au jeune prince est une adaptation de celle que Rigaud adopta pour le cardinal de Rohan-Soubise en 1710-1712. Le grand manteau qui barre la poitrine en diagonale est l’un des effets préférés du maître : on le retrouve, par exemple, avec la même combinaison du plastron posé sur un justaucorps de velours dans le portrait contemporain de Konrad Detlef exécuté en 1723. Marie Charles Louis d’Albert de Luynes (1717-1771), fut duc titulaire de Montfort, puis de Chevreuse (à partir de 1735 seulement, donation de son père Charles Philippe d’Albert de Luynes (1695-1758), il fut aussi duc de Luynes et pair de France, prince de Neuchâtel, marquis de Saissac et de Dangeau, comte de Tours et de Dunois. Nous remercions Ariane James-Sarazin pour tous les renseignements contenus dans cette notice. Expert : René Millet – T : 01 44 51 05 90

Par RENNES ENCHERES à RENNES le 15/03/2021 : Giuseppe RECCO (Naples, 1634 Alicante, 1695) Nature morte au panier de figues, miche de pain et assiette en porcelaine bleue et blanche sur un entablement en pierre Huile sur toile (quelques petites restaurations anciennes), signée en bas à droite « Gios: R. » 58 x 71.5 cm Collection particulière Artiste incontestable de la nature morte napolitaine du XVIIe siècle, Giuseppe Recco (Naples, 1634 Alicante, 1695) se distingue par la richesse et la variété de ses natures mortes de fruits, étalages de poissons et ustensiles de cuisine souvent présentés sur des entablements. Bien que ses compositions puissent paraître désordonnées, elles sont toujours savamment organisées dans les couleurs et dans les formes de manière à ce que l il du spectateur se promène sur l ensemble de la toile. Souvent confondus par leurs initiales communes, Giuseppe Recco se distingue pourtant de ses contemporains Giacomo Recco et Giuseppe Ruppolo dans sa technique. La touche lisse de l entablement de pierre contraste avec les objets qui y sont posés, traités dans une matière plus épaisse qui fait met en valeur chaque élément : la chair du poisson, l épiderme des figues, l osier du panier et la porcelaine froide de l assiette. Pour ce lot, nous vous remercions de bien vouloir nous faire parvenir un acompte d’un montant de 1 200 euros correspondant à 10 % de l estimation basse de cette uvre. Pour ce faire vous avez la possibilité soit de nous faire un versement : par virement bancaire : IBAN : FR76 1558 9351 0901 6911 3014 140 – BIC : CMBRFR2BARK et nous fournir un RIB pour le remboursement des fonds le cas échéant ou directement en ligne par paiement sécurisé : https://www.drouotonline.com/paiement/drouotrennesencheres Cette somme avancée vous sera remboursée en cas de non achat sous 48 h en fonction des délais bancaires. Si vous souhaitez enchérir sur ce lot, merci de nous contacter au préalable afin de vous enregistrer

Par Hôtel des Ventes Victor Hugo à Dijon le 06/03/2021 : Ecole VENITIENNE du XVIIème siècle, atelier de Joseph HEINTZ le Jeune : « La bataille des poings sur le pont Saint Barnaba à Venise » et « Procession de bateaux le jour de l’Ascension à Venise ». Paire de grandes huiles sur toile. H x L : 163 x 230 cm env. (craquelures, sauts de peinture, repeints, accidents dont quelques trous, manques et restaurations, rentoilage) Il s’agit d’une autre version, également ancienne mais de plus grandes dimensions, de la paire présentée sous le numéro 78, qui meublait une autre propriété franc-comtoise, appartenant à une autre branche de la famille. Expert : René MILLET

Par Hôtel des Ventes Victor Hugo à Dijon le 06/03/2021 : Attribué à Antonio BELLIS (1630-1656) : Saint Sébastien Grande toile. H x L : 106 x 90 cm env. (accidents, repeints, et restaurations dont rentoilage, vernis chanci) Expert : René MILLET

Par CONAN HOTEL D’AINAY SAS à LYON le 02/03/2021 : DUPLESSIS Joseph – Siffred (D’après) (Carpentras 1725 – Versailles 1802) Portrait de Louis XVI roi de France et de Navarre. Il est représenté en buste, légèrement de trois – quart, sa chevelure poudrée, arborant la grande plaque et le cordon bleu de l’ordre du Saint Esprit, et l’Ordre rouge de Saint Louis. Huile sur toile de forme ovale (Rentoilage) H. 78 – L. 64 cm Reprise de la composition originale (1778) de forme ovale, et de dimensions voisines (80 x 62 cm), conservée au château de Versailles (Cf. Claire Constans. Musée Nationale du Château de Versailles. Les Peintures. Volume 1, n°1592, p. 286 (reproduit) – RMN1995). VIGEE – LE BRUN Elisabeth – Louise (D’après) (Paris 1775 – id. ; 1842) Portrait de Marie Antoinette de Lorraine – Hasbourg, reine de France (1755 – 1793) Huile sur toile de forme ovale (Rentoilage) H. 78 – L. 64 cm Reprise de la composition originale (1788) de la reine assise (Toile ; 271 x 195 cm) conservée au Château de Versailles (Cf. idem. Volume II, n° 5240, p. 931 – RMN 1995) Cadres en bois et stuc doré de forme ronde de style Louis XVI surmontés de la couronne royale sur une branche de lauriers et orné de l’écusson aux trois fleurs de lys doré sur fond azur (manques et accidents).

Par SVV Denis HERBETTE à Doullens le 21/03/2021 : CANDIDO Salvatore. (1823-1869). « Animation dans la Baie de Naples et sur le marché aux poissons ». Paire d’huiles sur toile formant pendant. Signées et datées 1849 et 1850. H.27 L.40,5.

Par RENNES ENCHERES à RENNES le 15/03/2021 : Franti ek KUPKA, Opocno, 1871 Puteaux, 1957 Le cheval blanc, la chapelle Sainte-Anne devant la mer, Trégastel, 1909 huile sur toile – signée et datée en bas à droite 54,5 x 81,5 cm Vente publique Hôtel des ventes de Douai, Maîtres Declerck, 19 février 1994, lot 178 reproduit page 18 du catalogue. Provenance Collection particulière, Bretagne. Resté dans la même collection depuis son acquisition en 1994 à la vente précitée. Un certificat de Monsieur Pierre Brullé daté du 25 janvier 2021 sera remis à l acquéreur. Pour ce lot, nous vous remercions de bien vouloir nous faire parvenir un acompte d’un montant de 20 000 euros correspondant à 10 % de l estimation basse de cette uvre. Pour ce faire vous avez la possibilité soit de nous faire un versement : par virement bancaire : IBAN : FR76 1558 9351 0901 6911 3014 140 – BIC : CMBRFR2BARK et nous fournir un RIB pour le remboursement des fonds le cas échéant ou directement en ligne par paiement sécurisé : https://www.drouotonline.com/paiement/drouotrennesencheres Cette somme avancée vous sera remboursée en cas de non achat sous 48 h en fonction des délais bancaires. Un cheval blanc passe au galop devant une chapelle bretonne au crépuscule. A l horizon, une fine bande turquoise évoque la mer non loin sur la côte. Ce cheval passe devant la chapelle Sainte-Anne à Trégastel, où l artiste a séjourné régulièrement depuis 1896. Les paysages solitaires et la nature sauvage qu il y découvre le reposent et l inspirent. Notre tableau est composé d une grande diagonale formée par le mur de la chapelle et le chemin. Le cheval blanc suit la route et son ombre portée est projetée sur le muret, de même que l ombre du calvaire se retrouve placée, fort symboliquement, sur la façade en pierre de la chapelle. La partie droite du tableau est occupée par l édifice religieux. L ensemble est scandé par plusieurs éléments verticaux qui rythment et dynamisent la composition : calvaire, portail, faîtage, ombre de la croix, jambes du cheval… Kupka est connu pour être un excellent dessinateur. Sans surprise sa touche est habile, l exécution du cheval est très libre et le rendu de son allure virtuose. Le tout est réalisé spontanément, on ne discerne aucun repentir. La palette est caractérisée par les tonalités de jaune, de rouge et de bleu relevées du vert caractéristique de l artiste. Ce sont les mêmes harmonies colorées qu une oeuvre emblématique telle que le Grand Nu, Plans par couleurs peint en 1909 (The Solomon R. Guggenheim, New York), détail en bas à droite. Les camaïeux de jaune des pierres de la chapelle et du muret sont ceux du tableau intitulé La Gamme jaune (Musée National d Art Moderne, Centre Pompidou, Paris) peint en 1907, détail en haut à droite. Cette cohérence dans la palette de Kupka s explique par ses recherches actives sur la couleur et sa force expressive symbolique, engendrée par les réflexions de Goethe et les recherches de Chevreul. Le début des années 1900 est une période d influences croisées pour l artiste qui explore et assimile l art nouveau, le fauvisme et l expressionnisme, sur un fond d inspiration symbolique et mystique. La diversité des oeuvres des années 1905-1910 démontre qu au fil des influences et de ses recherches, d apparences chaotiques, Kupka suivait un cheminement personnel cohérent. Notre peinture de 1909 n échappe pas à cette logique, et présente des analogies avec les créations majeures de cette période, à l issue de laquelle l artiste bascule dans l abstraction. Les deux représentations majeures du tableau sont le cheval et la chapelle, éléments à la symbolique forte. Le cheval est un sujet récurrent dans la période symbolique de Kupka, emblématique d une autre oeuvre inspirée par un séjour breton de l artiste vers 1901- 1902 : Epona-Ballade, Les Joies (Narodni galerie, Prague) qui représente deux femmes nues chevauchant sur une plage. Présent dans de nombreux contes et légendes traditionnels, aussi bien bretons que slaves, il symbolise le mouvement, la vie, la liberté et la sensualité. L ombre portée du cheval blanc évoque la fin du jour, mais son étirement apporte une note irréelle et le transforme en créature fantastique. La chapelle est bien évidemment un symbole religieux. Telle qu elle est représentée par l artiste, elle évoque plutôt un refuge. L accentuation de la forme triangulaire de sa façade en fait un contrepoint stable à la fugue du cheval. Le traitement des blocs de pierre en camaïeu de jaune magnifie le muret et la chapelle. Symboliquement, le jaune est une couleur solaire, source de vie et rassurante, une couleur très importante dans l oeuvre de Kupka. La charmante petite chapelle de Trégastel est ainsi transformée, sous le pinceau de Kupka, en une icône mystique ornée de l ombre du calvaire. Le spectateur est face à un choix : se diriger vers la tranquillité de la chapelle ou suivre le cheval blanc dans son échappée. A white horse is cantering by the Saint Ann cha

Par Osenat Fontainebleau à Fontainebleau le 14/03/2021 : STELLETSKY DIMITRI (1875-1947) Kremlin de Moscou Huile sur toile Signé en bas à droite «Stelletski» 73 x 100 cm. Acidenté. Provenance : Collection particulière, Fontainebleau. Le tableau n’a jamais quitté la même famille depuis l’achat dans les années 1930. СТЕЛЛЕТЦКИЙ Дмитрий (1875-1947) Московский Кремль Холст, масло Подпись слева внизу «Stelletski» 73 х 100 см. Повреждения

Par Osenat Fontainebleau à Versailles le 28/03/2021 : HENRI MARTIN (1860-1943) Calanques aux environs de Marseille Huile sur panneau Signé ‘Henri Martin’ (en bas à droite) 36.8 x 55.1 cm Peint vers 1920 Un certificat d’authenticité de Cyrille Martin daté de décembre 2006 sera remis à l’acquéreur. Provenance : Collection privée, Paris (acquis dans les années 1930). Puis par descendance au propriétaire actuel.

Par ENCHERES COTE D’OPALE – DEBACKER & RICHMOND à Saint-Martin-Boulogne le 12/03/2021 : Paul SERUSIER (18631927) « Éve et le serpent » 1905 Huile sur panneau Signée en bas à gauche 120 x 60 cm Provenance – Galerie Druet, Paris, n° de stock 13139 Bibliographie : – Marcel Guicheteau, Paul Sérusier , Side, Paris, 1976, n°190, repr. en noir et blanc p. 238 Expert : Brame & Lorenceau. Paris

Par POUSSE-CORNET SARL – VALOIR à Blois le 21/03/2021 : Pierre-Auguste RENOIR (1841 – 1919) : Étude de femme et paysage, vers 1908. Huile sur toile, signée de l’initiale en haut à droite. 13,5 x 16,5 cm. (rentoilé) Etat : Bon état général. Petite trace noire visible en haut à gauche. Provenance : – Ambroise Vollard, acquis auprès de l’artiste avant 1909 – Ancienne collection Monsieur Bove, Paris – Ancienne collection Monsieur S., Paris, acquis du précédent le 20 juillet 1966 – Par succession Madame S. Un certificat d’André Pacitti en date du 25 février 1966 sera remis à l’acquéreur, ce certificat a été contresigné par Claude Renoir Figurera dans le Digital Catalogue Raisonné Pierre Auguste Renoir actuellement en préparation par le Wildenstein-Plattner Institute CERTIFICAT du Wildenstein-Plattner Institute (2000$) à la charge de l’acheteur Experts : Amaury de Louvencourt et Agnès Sevestre-Barbé 8, rue Drouot 75009 PARIS France – tel : 01 53 96 06 57.

Par ACTEON SENLIS (HOTEL des VENTES de SENLIS Sarl) à Senlis le 21/03/2021 : Odilon REDON (1840-1916) « Deux têtes de femmes » dit aussi « Satan et la statue » Fusain, craie et encre sur papier teinté bleu, signé en bas à gauche « ODILON REDON ». (Petites irrégularités en bordure du papier) 34,5 x 35,5 cm Encadré sous verre. Etiquettes au revers du cadre de la collection du Comte Arnaud Doria et d’expositions à la Galerie Bernheim-Jeune et à l’Orangerie des Tuileries. Provenance : – Acheté à Odilon Redon par Emile Bernard en 1904. – Vente, Me Ribault-Menetière, Paris, 24 décembre 1947, lot 184. – Collection du Comte Arnaud Doria, France (en 1955), n°842. Puis par descendance au propriétaire actuel. Expositions : – Nice, « La Belle Epoque », 1950, n°242 (désigné comme lavis) – Paris, Odilon Redon, 1956-57, n°35 – Paris, Odilon Redon, 1958, n°31 – Paris, Galerie Bernheim-Jeune, 14 mai au 14 juillet 1963, no. 53. Bibliographie : – K. BERGER, Cologne, 1964, n°602 – Alec WILDENSTEIN, « Catalogue raisonné de l’oeuvre peint et dessiné », vol. II, Paris 1994, 1077, p 166-167 (reproduit pleine page). Extrait du catalogue raisonné : « Pour la sagesse populaire, qui voit son double va mourrir », écrit Louis Vax dans son livre sur l’art et la littérature fantastiques (Paris, 1974, p. 29). Ce double peut prendre l’aspect d’un mannequin, d’une poupée, d’une statue, éléments perturbateurs et générateurs d’angoisse dans les contes fantastiques, et dans l’art de Redon qui, lorsqu’il ne fait pas éclater le corps en morceaux, le dédouble. « L’autre » est-il alors l’âme ou l’esprit que Redon sépare du corps pour mieux les explorer, en anatomopathologiste de l’inconscient? « L’autre » est-il la face nocturne d’un être, son mauvais génie : son ombre? Une ombre perdue pour celui qui a vendu son âme au diable : Redon le coiffe ici d’un bonnet d’âne et le fait ressembler à un jeune veau. Or, un être sans âme et privé d’ombre est un non-être spirituel. Figé et aussi creux qu’une statue. « L’une au centre, la tête penchée et attristée, l’autre de profil; à gauche, une colonne » écrivait Odilon Redon (O.R., Paris, 1956-57, n°35)

Par – Automobiles à LILLE le 07/03/2021 : 350-Robert COMBAS ( né en 1957) « Les masques », 2001 Technique mixte sur papier contrecollé sur toile, signé sur le côté à droite et daté 160 x 95 cm Etiquette galerie Seine 51 au dos Pour chaque œuvre de Combas, un certificat à la demande et à la charge de l’acquéreur pourra être demandé au studio de l’artiste.

Par – Automobiles à LILLE le 07/03/2021 : 296–Keith HARING (1958-1990) Yorkshire, 1988 Encre sur papier Dessin dédicacé : « For Swen-merry christmas 1988-love Keith »et daté. 56 x 75.5 cm Provenance : Ancienne collection SWEN SWENSON Galerie Automne, Bruxelles Un certificat d’authenticité établi par la galerie Automne auprès de laquelle l’œuvre à été acquise pourra être remis à l’acquéreur. Nous avons consulté la fondation Keith Haring qui ne s’est pas opposée à la vente de cette oeuvre.

Par THOMAS ENCHERES ET EXPERTISES SARL à Le Mans le 13/03/2021 : RODIN Auguste ( 1840 / 1917 ) Danseuse cambodgienne. Graphite, aquarelle et rehauts de crayon noir sur papier vélin signé au graphite en bas à droite : Aug. Rodin. 1906 / 1908 Hauteur : 30,7 cm Largeur : 23 cm Marque de Collection Marcel Guerin (Lugt 1872b) Ancienne Collection Marcel Guerin (1873 / 1948 ) Marcel Guerin connut l’artiste et fut membre du conseil d’administration du Musée Rodin de 1923 jusqu’à sa mort en 1948. Correspond à l’inv. n°90 sous le titre « Danseuse cambodgienne de face. Dessin aquarellé signé en bas à droite » inventaire établi en 1948 par Etienne Ader, et ancienne Collection famille Pieyre de Mandiargues. Cette œuvre figurera au Catalogue raisonné des dessins et peintures d’Auguste Rodin au numéro 210102. Un certificat d’inclusion au catalogue raisonné des dessins et peintures d’Auguste Rodin par Mme Christina Buley-Uribe en date du 8 janvier 2021 sera remis à l’acquéreur. Ce superbe dessin de Danseuse cambodgienne de face appartient à un ensemble d’œuvres composé d’environ cent cinquante dessins d’après des modèles cambodgiens exécutés entre 1906 et 1908, et sont un des sommets de l’art de Rodin. Dans cette série principalement des danseuses de la cour du roi du Cambodge Sisowath 1er, Rodin s’est concentré tantôt sur la gestuelle de la danse, sur les bras, les mains étirées et les doigts savamment déliés, où comme ici sur la posture générale du corps. En juillet 1906, lors de la visite officielle en France du roi Sisowath 1er, Rodin assiste à plusieurs représentations que donne le « Ballet Royal » accompagnant la suite du roi, d’abord à Paris, où l’artiste obtient quelques séances de pose, puis à Marseille à l’Exposition coloniale. Ce court séjour à Marseille est rapidement médiatisé, notamment dans L’Illustration. Ses dessins, fraîchement aquarellés, sont également publiés dans la revue. Les danseuses cambodgiennes sont l’objet d’un véritable ravissement pour Rodin : « Je les ai contemplées en extase (…) Quand elles partirent, je crus qu’elles emportaient la beauté du monde ». Nous percevons parfaitement dans notre Danseuse cambodgienne de face, un dessin d’une simplification toute moderne. Les Cambodgiennes évoquent pour lui, de manière paradoxale, une certaine définition de l’authenticité, voire de la pureté de l’Antiquité occidentale : « Elles ont fait vivre pour moi l’antique (…), je suis un homme qui a donné toute sa vie à l’étude de la nature (…) » La danse cambodgienne traditionnelle a eu chez Rodin, la capacité de faire renaître les gestes justes d’un passé antique fantasmé. La partie supérieure caractéristique du costume, un haut moulant à manches courtes, est évoquée par de simples traits que l’on retrouve dans un autre dessin de Danseuse cambodgienne conservé au Musée Rodin (D.4450) Notre dessin est exécuté sur un papier vélin ordinaire, habituel chez Rodin et couramment utilisé pour cette série. Les tonalités pâles, atténuées, voilées, notamment du visage, ne sont pas dues au hasard mais à une intervention préalable de pré-humidification du papier. Notre cambodgienne de face est sans doute une des danseuses transformées par Rodin en figures angéliques prévues pour le projet de décor à fresque du Paradis destiné au Musée du Luxembourg, projet qui n’a jamais abouti. Cette œuvre est visible sur rendez-vous chez l’expert : Marc BRIAT 22 Rue de Miromesnil 75008 PARIS le lot sera visible chez notre expert au 22 rue de Miromesnil jusqu’à la veille de la vente le dessin sera visible à l’étude le matin de la vente

Par RENNES ENCHERES à RENNES le 21/03/2021 : Robert COMBAS Autoportrait 1999. Acrylique sur toile signée sur le côté droit. On y joint le certificat réalisé par l artiste. 81x100cm Acquis auprès de l artiste en 1999.

Par – Automobiles à LILLE le 07/03/2021 : 351-Robert COMBAS (né en 1957) » Electrique warrior donc électrique éclectique élatrique à rock à roule » Technique mixte sur carton plume, signée en bas à droite 200 x 110 cm Provenance : Galerie AD Montpellier Pour chaque œuvre de Combas, un certificat à la demande et à la charge de l’acquéreur pourra être demandé au studio de l’artiste.

Par – Automobiles à LILLE le 07/03/2021 : 349-Robert COMBAS (né en 1957) Le pays où le soleil est un slip kangourou, 1998 Acrylique sur toile marouflée sur toile, signée et titrée 120 x 110 cm Provenance :vente De Vuyst Belgique lot 585 Mars 2012 Pour chaque œuvre de Combas, un certificat à la demande et à la charge de l’acquéreur pourra être demandé au studio de l’artiste.

Par Hôtel des ventes de la Vallée de Montmorency à Deuil la Barre le 02/03/2021 : OLIVIER DEBRE (1920-1999), « Scène d’intérieur », 1958, Huile sur toile monogrammée « OD » en bas à droite. Contresignée, titrée et datée 1958 au dos. H : 24 x 33 (23,5 x 32 à vue). Rapport de condition : Toile d’origine – pas de traces de restauration – Soulèvements de la couche picturale et craquelures – encadré. Cette oeuvre est accompagnée d’un certificat de Pierre Courthion, indiquant que le tableau » provient directement de l’atelier de l’artiste, rue Saint-Simone à Paris ». Provenance : Collection particulière.

Par SAS HOTEL DES VENTES DE NIMES- Françoise Kusel et Pierre Champion à Nimes le 05/03/2021 : Claude VIALLAT (1936) – « sans titre » – Référence: 147-1995 – Acrylique/toile – 269×196,5cm – avec certificat de l’artiste

Par AZUR ENCHERES CANNES à Cannes le 18/03/2021 : Pierre SOULAGES (Né en 1919) Eau-forte XXXVI (1979) Eau-forte en couleurs Signée au crayon en bas à droite, exemplaire numérotée 22/100 86 x 67 cm (Très belle épreuve) Provenance | Collection de Monsieur et Madame B. Cannes.

Par ADJUG’ART S.A.R.L – Me Yves COSQUERIC à Brest le 02/03/2021 : DWURNIK Edward (1943-2018) : « Emeute à Varsovie », importante HST signée en haut à droite et datée 75, contresignée et datée au dos avec étiquette 3 8 IV 75 MANNESTNOSA ZANTEK (châssis accidenté) 127 x 140 cm. Provenance : Ancienne vente TAJAN à PARIS dans les années 80.

Par – Automobiles à LILLE le 07/03/2021 : 311-Gérard SCHLOSSER (né en 1931) La deuxième balade, 1999 Peinture sur sablée signée au dos, datée et titrée 200 x 200 cm Provenance : Anciennement galerie Loft. Étude Mercier, lot 169, vente 23 février 2003. Collection particulière, acquis lors de la vente précédente. Bibliographie : Catalogue raisonné, édition Mare & Martin, repr. sous le n° 725 p. 249.

Par CONAN HOTEL D’AINAY SAS à LYON le 02/03/2021 : Delphin ENJOLRAS (1857-1945). Femmes sur la terrasse préparant le bouquet de fleurs et allumant une lanterne. Huile sur toile. Signé en bas à gauche. 60 x 73 cm.

Par Osenat Fontainebleau à Fontainebleau le 14/03/2021 : KOROVIN KONSTANTIN (1861-1939) Place de Clichy Huile sur carton Signé en bas à gauche « Constant Korovine Paris » 25 x 40 cm. КОРОВИН Константин (1861-1939) Площадь Клиши Картон, масло Подпись слева внизу « Constant Korovine Paris » 25 x 40 см.

Par CONAN HOTEL D’AINAY SAS à LYON le 02/03/2021 : René Xavier François PRINET (1861-1946). Le peintre sur le motif en bord de mer. Huile sur toile. Signé en bas à droite. 49 x 65 cm.

Par RENNES ENCHERES à RENNES le 21/03/2021 : Jean Paul RIOPELLE Composition abstraite. 1958. Huile sur papier marouflée sur toile, signée et datée 58 en bas à droite. 67,5×51,5cm. Très légers décollement de peinture en bas à gauche. Collection particulière. Bretagne. Vente publique, Francis Briest, 1995 Cette oeuvre figure p. 397 du tome 2 du Catalogue raisonné Jean Paul Riopelle.

Par DUPONT & Associés – Hôtel des ventes de Morlaix à Saint-Martin-des-Champs le 08/03/2021 : Rare Thangka d’Amitayus à l’encre et couleurs sur soie Chine, début du XXème siècle La divinité représentée assise en dhyanasana sur un lotus entouré de fleurs, devant une mandorle décorée de divers animaux, dans la cour d’un temple doré richement décoré, les mains en dhyana-mudra tenant le kalasha, les quatre angles ornés de petites représentations d’Amitayus dans des pagodes, la partie supérieure inscrite en mandarin, mandchou, mongol et tibétain, et portant la date apocryphe 1799, 4ème année de Jiaqing, encadré sous verre Dimensions : 128 x 74 cm (cadre compris) 二十世纪初无量寿佛唐卡 ATTENTION ! Les enchères et ordres d’achat sur ce lot sont soumis à condition. Afin de pouvoir enchérir sur ce lot, une caution de 6.000 € vous sera demandé. Merci de prendre contact avec notre étude avant le début de la vente : [email protected] ou 02 98 88 08 39. Si vous n’avez pas pris contact avec notre étude avant le passage du lot, vos enchères ne seront pas prises en compte Please note that bids and absentee bids on this lot are subject to conditions. To bid on this lot, a deposit of 6.000 € will be requested. You must contact the auction house at [email protected] or 0033 2 88 08 39. If you did not contact our office before the start of the auction sale. Your bids will not be taken into account.

Par DUPONT & Associés – Hôtel des ventes de Morlaix à Saint-Martin-des-Champs le 08/03/2021 : Thangka de Bouddha à l’encre et couleurs sur soie Chine, début du XXème siècle Représenté assis, entouré de pivoines, devant un paysage montagneux, une cascade à sa droite, deux disciples apportant des offrandes à ses pieds, ainsi qu’un Bodhisattva en prière assis sur un coussin, deux représentations de Bouddha en haut, une inscription en mandarin, mandchou, mongol et tibétain dans la partie supérieure mentionnant la date apocryphe de 1793, 58ème année de l’empereur Qianlong, encadré sous verre Dimensions : 128 x 74 cm (cadre compris) 二十世纪初佛唐卡 ATTENTION ! Les enchères et ordres d’achat sur ce lot sont soumis à condition. Afin de pouvoir enchérir sur ce lot, une caution de 6.000 € vous sera demandé. Merci de prendre contact avec notre étude avant le début de la vente : [email protected] ou 02 98 88 08 39. Si vous n’avez pas pris contact avec notre étude avant le passage du lot, vos enchères ne seront pas prises en compte Please note that bids and absentee bids on this lot are subject to conditions. To bid on this lot, a deposit of 6.000 € will be requested. You must contact the auction house at [email protected] or 0033 2 88 08 39. If you did not contact our office before the start of the auction sale. Your bids will not be taken into account.

Par CORNETTE DE SAINT CYR MAISON DE VENTES à Paris le 22/03/2021 : Tapis Chine Laine. 258 x 172 cm Décor de dragons sur fond jaune. Usures. Provenance : Compagnie de la Chine et des Indes (Paris) (Inv.17017 Acquis en 1955)

Par CORNETTE DE SAINT CYR MAISON DE VENTES à Paris le 22/03/2021 : Gyanyin Chine, 18° siècle Détrempe sur toile. 234 x 318 cm Très importante peinture représentant l’aspect Chinois d’Avalokiteshvara, le bodhisattva de la compassion. La divinité, identiﬁable à la re-présentation d’Amitâbha qui orne son chignon, est assise, richement vêtue et parée, sur un lotus épanoui au coeur de son île. Elle tient un rosaire et est adossée à un bosquet de bambous supportant des bo-dhisattva et autres divinités du panthéon lamaïque. Autour d’elle, deux lotus supportent un vase et un oiseau et elle est entourée de deux assistants. Dans l’angle supérieur gauche, Avalokiteshvara sous sa forme tibé-taine classique à onze faces et huit paires de bras est entouré des Târâ verte et blanche. L’angle supérieur droit est occupé par la représentation d’un lama tibétain de l’école dGe-lugs-pa parmi les montagnes, adossé à cinq pics. Le vase d’abondance tenu dans son giron, le livre et l’épée, at-tributs de Manjushri (Mañjuçrî) dont il est considéré comme une ré-incarnation, posés au dessus de son épaule, permettent de proposer son identiﬁcation comme lCang-skya rol-pa’i rdo-rje (1717-1786), deuxième Qutuku (Grand lama réincarné de Beijing faisant ofﬁce de « Tuteur Impérial »). Sa présence à cet endroit indique que la peinture a été exécutée durant son règne, et compte tenu de sa qualité, très probablement par les ateliers impériaux pour le Yonghe Gong de Beijing que l’Empereur Qianlong aménagea pour lui en 1745, ou pour le Pule Yuan qu’il lui ﬁt ériger sur le mont Wutai Shan au Shanxi (résidence légendaire de Manjushri) en 1766-1769. Le fait que le lama soit ﬁguré devant cinq montagnes pourrait plaider en faveur de cette dernière place. Au delà de ses dimensions exceptionnelles, cette peinture présente la remarquable caractéristique de synthétiser les esthétiques bouddhiques Chinoise et Tibétaine, Guanyin, ses attendants et leur environnement étant clairement Chinois dans le style le plus classique, les autres divinités suivant strictement les archétypes lamaïques traditionnels. Cette exceptionnelle synthèse stylistique pourrait égale-ment plaider en faveur d’une provenance du Pule Yuan, leWutai Shan étant connu pour abriter de nombreuses écoles bouddhiques diverses, et donc des artistes rompus à tous les styles et iconographies bouddhiques de l’Empire. Petits accidents et usures visibles. Provenance : Compagnie de la Chine et des Indes (Paris) (Inv.23479 Acquise en 1991)

Par DUPONT & Associés – Hôtel des ventes de Morlaix à Saint-Martin-des-Champs le 08/03/2021 : Peinture en rouleau à l’encre sur soie Chine, XIXème siècle La partie supérieure peinte des Trois Dieux du Bonheur, au-dessus de personnages offrant des rouleaux, inscription et cachets en haut à droite ; usures Dimensions : 202,5 x 96 cm

Par Sarl CANNES ENCHERES à Cannes le 19/03/2021 : Gourde de forme lunaire (baoyueping) en porcelaine à décor floral en bleu de cobalt, les anses en forme de nuages ruyi. Marque apocryphe Qianlong à la base. CHINE, XXe siècle. H : 29 cm (égrenures au talon)

Par SARL MAY ASSOCIES à Roubaix le 22/03/2021 : René LALIQUE (1860-1945). Surtout de table YESO en cristal moulé pressé partiellement satiné. Monture électrique en métal nickelé . Vers 1930 35 x 52 cm (en bas à gauche, légèrement abrasé et petit éclat au centre) Modèle crée en 1930 et non repris après 1947 n°1170 page 486 du catalogue raisonné par Félix Marcilhac

Par SEQUANA SAS à Rouen le 06/03/2021 : NO LIVE ON THIS LOT – MANDATORY REGISTRATION Émile GALLE (1846-1904) « Tout ce ciel que je porte en moi-même caché » Verrerie parlante. Coupe ovoïde à bords polylobés modelés à chaud sur piètement central galbé collé à chaud à base circulaire en gradin renflé. Vasque en verre torsadé, finement bullé bleu rosé et blanchâtre à décor intercalaire violet, bleu, rose et orangé. Décor de marbrures et d’hellébore dites aussi rose de Noël en marqueterie de verre, entièrement meulé à la roue. Piètement en verre blanc verdâtre et rose à décor de tiges patinées noires. Partie interne de la coupe meulée d’un décor d’hellébore dites aussi rose de Noël légèrement cerné au noir. Ciselée de la citation de Marceline Desbordes-Valmore, signée Émile Gallé et datée 1900. H_12, cm – Diam_17,6 cm Provenance : Pièce réalisée d’après celle présentée à l’Exposition Universelle de Paris, en 1900, visible sur la droite de la vitrine d’Émile Gallé « Les Granges ». Exposition : Exposition universelle 1900, Paris pour le premier modèle. Exposition de l’École de Nancy, Paris, 1903, pour un second modèle. Historique : L’alexandrin sur la verrerie est tiré d’une lettre de Marceline Desbordes-Valmore (1786-1859), poète romantique à Amable Tastu (1795-1885) autre poète romantique contemporaine « Si vous ne dormez pas, jetez-moi vos paroles, ma sœur ! ». Émile Gallé disait aimer en parlant de Marceline Desbordes-Valmore « la douceur élégiaque de son cœur brisé ». Les verreries d’Émile Gallé réalisées pour l’Exposition Universelle sont toutes marquées expos 1900, mais une fois les modèles d’exposition vendus, Émile Gallé s’attèlera à refaire quelques-uns de modèles exposées. Bibliographie : Henri Frantz, « Émile Gallé and the decorative artists of Nancy », The Studio vol. XXVIII, octobre 1903, modèle similaire référencé et reproduit p. 110. Alastair Duncan, The Paris Salons 1895-1914, vol. IV : ceramics & glass, Antique Collectors’Club, Woodbrige, 1998, modèle similaire référencé et reproduit p. 223. VENDU SUR DÉSIGNATION – VISIBLE UNIQUEMENT SUR RENDEZ-VOUS AUPRÈS DE L’EXPERT EXPERT : Mme Amélie MARCILHAC I T. +33 1 42 49 74 46 I [email protected]

Par ADJUG’ART S.A.R.L – Me Yves COSQUERIC à Brest le 02/03/2021 : BORDEAUX, Manufacture VIEILLARD et Eugène MILLET (1819-1879) : Rare service de table « Grands oiseaux » comprenant 101 pièces dont 38 assiettes plates (diam. 25,5 cm), 30 assiettes à dessert (diam. 22,5 cm), 27 assiettes creuses (diam. 25 cm), 1 coupe sur piédouche (diam. 22,5 cm haut. 12 cm), 1 plat à gâteaux sur piédouche (diam. 25 cm. Saut d’émail), 1 plat rond (diam. 31 cm), 1 plat à poisson (long. 57 cm), 1 plat creux (diam. 34 cm), 1 plat à volaille (long. 43 cm). Marqué. (quelques usures en bordure, quelques infimes sauts d’émail quelques égrainures dessous, sans fêle et sans tache). Eugène MILLET, élève de Viollet-le Duc fut architecte et décorateur. Il crée pour la Manufacture de Bordeaux ce service japonisant influencé par Bracquemond et par les estampes d’Hokusai.

Par SARL BEAUSSANT-LEFEVRE à Paris le 19/03/2021 : Grande statuette votive de chatte BASTET?Elle représente la déesse Bastet sous la forme féline, assise sur son arrière-train, les pattes antérieures dressées, la queue passant sur le côté droit et rejoignant la patte antérieure droite. Les yeux étaient incrustés dans un autre matériau. Les moustaches sont traitées par des incisions d une grande finesse. Elle est parée d un collier incisé orné d un pendentif en forme de cOeur Ib . Le sommet de la tête est gravé d un scarabée. Les oreilles percées étaient destinées à recevoir des boucles d oreilles. Bronze. (L extrémité de la queue cassée. Fêlures, traces de nettoyage, petites lacunes et bouchages). Egypte, Epoque Saïte ou Basse Epoque, XVIe-XXXe Dynasties (de 664 av. J.-C. à 332 av. J.-C.). ?Hauteur : 34 cm avec les tenons Le socle en bois est ancien et semble dater au moins des années 1930. L examen de l oxydation du métal à la loupe binoculaire met en évidence des cristaux d azurite, de cuprite et de malachite compatibles avec l âge de la sculpture. Les restes de noyau ont fait l objet d un test de thermoluminescence QED en date du 12 février 2021 qui confirme l ancienneté de la pièce (entre 2 000 et 2 600 ans). Provenance : Collection Sylvia Wildenstein, Paris, années 1970. Lorsque Rê gouvernait l Egypte, son Oeil (l Oeil Oudjat) quitta un jour le palais dans un moment de colère, pour gagner la Nubie. Il y prit l aspect d une lionne sanguinaire, déesse sauvage et destructrice, Sekhmet, La Lointaine . Elle massacrait là les hommes en fuite dans le désert et y prit goût. Rê décida d arrêter le carnage, mais sa fille (Sekhmet) étant devenue incontrôlable, il chargea Shou et Thot de la faire revenir. Ceux-ci usèrent d un stratagème : sous l apparence de singes, ils versèrent dans le Nil, proche d Eléphantine, sept mille cruches de bière mélangée à un colorant rougissant. Sekhmet, croyant découvrir un fleuve de sang, s enivra de cette boisson et s endormit. A son réveil, elle apparut comme une chatte apaisée, Bastet. Son principal lieu de culte se situait à Bubastis ; d autres se trouvaient à Memphis, Thèbes, Héliopolis, Léontopolis et Hérakléopolis. Déjà sous l Ancien Empire, elle a un rôle protecteur auprès du roi. A la fin de la XXIIe dynastie, Osorkon II introduit son nom dans sa titulature. En tant que chatte, elle est la gardienne du foyer et symbole de fécondité.

Par METAYER MAISON DE VENTES AUX ENCHERES à Paris le 09/03/2021 : Gaston CHAISSAC (1910-1964) Totem, vers 1961-1962. Composition aux deux visages inversés Huile sur bois, signée. H_ 206 cm, hors socle. L_ 32,5 cm P_ environ 3.5 cm . Cette oeuvre est accompagnée d’un certificat de Monsieur Thomas Le Guillou, en date du 12-02-2021, et portant le numéro TLG – 1150

Par SENS ENCHERES-SENS ESTIMATIONS S.A.R.L à Sens le 20/03/2021 : Statue de Bodhisattva en bronze doré Chine, dynastie Ming, XVIIème siècle Représenté assis en padmasana, la main gauche tenant un bol à aumônes, la droite relevée tenant une tige de lotus, le visage serein, vêtu d’une longue jupe ceinturée à la taille, les épaules recouvertes d’une écharpe ciselé de motifs floraux, paré d’un collier et de pendants d’oreilles, les cheveux coiffés en chignon et retombant sur ses épaules, le front ceint d’un diadème ouvragé orné du Bouddha Amitabha au centre, socle en bois ; quelques manques (couronne, tige de lotus et chevelure) et usures à la dorure (manques) Hauteur : 44,5 cm Sur socle lotiforme en bois sculpté. H. totale : 54 cm. Expert : Monsieur Philippe Delalande, 23 rue Lemercier, 75017 Paris.

Par ETUDE DE PROVENCE – RIBIERE & TULOUP à Uzès le 21/03/2021 : Auguste Henri CARLI (1868-1930) Omphale vêtue de la peau du lion de Némée, et donnant ses ordres à Héraclès, une massue à ses pieds, monumentale sculpture de parc en pierre reposant sur un socle quadrangulaire, H : 3 m 50 en tout. Usures. Provenance : parc d’une bastide de Saint Barnabé.